Нереальный опыт: как музыканты вовлекают аудиторию с помощью технологий и цифрового искусства

,

16 декабря 2019

1092

0

Скажи мне — и я забуду, покажи мне — и я запомню, вовлеки меня — и я пойму.

Требуется тонна волевых ресурсов, чтобы выделить действительно интересный контент среди шквала, который обрушивается на нас, стоит только открыть ленту. В противовес артисты стараются создать контент, с которым действительно захочется проводить время. В частности, некоторые музыканты постоянно ищут новые возможности расширить чувственное восприятие для фанов, дать особый опыт взаимодействия с музыкой и через музыку, построить вселенную ощущений. Стандартная схема релиза работает всё слабее в то время, как современные технологии позволяют воспринимать музыку всеми фибрами души и органами чувств.

Arcade Fire — знатные любители пошалить с интерактивом в вашем браузере. Канадцев можно назвать корифеями музыкально-цифровых коллабораций — ещё в 2007 году благодаря дружбе с монреальским диджитал-директором Венсаном Мориссе песня группы «Neon Bible» ожила при участии зрителя. Результат считается первым интерактивным клипом в истории музыки.

Реджин Шассан из Arcade Fire в клипе «Sprawl II»

В 2012-м музыканты пошли дальше и показали клип «Sprawl II», активируемый танцем. Подключаешь вебку и танцуешь, воплощая собственную динамику видео: чем быстрее двигаешься, тем быстрее проигрывается кадр. Замедляешься — и герои тоже. Замираешь — видео попадет в петлю, создавая хореографию внутри хореографии. На заре простых интерактивов сайт получил ряд наград за стилёк, отсутствие интерфейса как такового и степень вовлечения.

Следующей жемчужиной Венсана и Arcade Fire стал интерактивный клип «Just a Reflektor». Как называют его сами авторы — виртуальная проекция. К разработке причастились Google Creative Lab, в частности цифровой художник и программист Аарон Коблин, и мастодонт среди диджитал-продакшенов Unit9.

Идея вызревала два года: на первый взгляд, это проект из категории микса интерфейсов десктоп+мобайл. При этом Венсан и его разработчик Эдуард Ланкту-Бенуа не хотели превращать телефон в пульт дистанционного управления или игровую панель. Телефон в их проекте — источник света. Иллюзия, что у вас в руках небольшой видеопроектор, излучающий изображения на поверхности монитора. Было желание воссоздать по ощущениям что-то аналоговое и оптическое, вернуть удовольствие от игры с фонариком, призмой, театром теней.

Случайным образом в это же время Arcade Fire записывали песню «Reflektor», текст которой перекликался с задумкой диджитал-команды. Сценарий и эстетика клипа кристаллизовались из многочисленных технологических экспериментов за несколько месяцев, а благодаря зрителю красота видео только приумножилась.

Сейчас такой интерактив кажется базовым, но в 2013-м проект всколыхнул весь рынок и породил множество последователей в диджитал-креативе. Если вы гик, здесь можно покопаться в коде и поиграть с настройками эффектов в видео. А углубиться в мир Венсана Мориссе можно на сайте его студии AATOAA.

В 2011-м Венсан также создал экспириенс «INNI» для Sigur Rós, который тотчас попал в топы величайших концертных фильмов всех времён.

По методике это вычурная сюрреалистичная рекурсия. Следите за руками: изначально всё сняли на цифру, смонтировали, запустили на экране и пересняли на 16-миллиметровую чёрно-белую пленку, ещё раз запустили на экран с манипуляциями перед проектором и сняли это снова в диджитал-формате. Woo a la! Искажения картинки с помощью пальцев, стеклянных мисок и других предметов дали преднамеренно несовершенный продукт с мечтательными, абстрактными визуальными эффектами. «INNI» означает «внутри», и это чувственный, интуитивный взгляд на магическую исландскую группу.

Венсан Мориссе: «INNI — это интимность посреди большой сцены. Это абстракция жестов и подчёркивание восхитительных деталей. Это посвящение уникальной энергии Sigur Rós. INNI оставляет пространство для чудесных картинок, которые мы представляем, когда слушаем их музыку».

Йонси из Sigur Rós в фильме «INNI»

После творческой паузы Sigur Rós продолжили технологичные эксперименты — в 2018-м вышел AR-опыт Tónandi в коллаборации со студией Magic Leap, среди партнёров и инвесторов которой Lucasfilm и Google. Название опыта означает «дух звука», и это попытка выразить сущность звука зрительно и ощутимо, позволить человеку создавать музыку практически из воздуха.

Технически это категория пространственного аудио (Spatial Audio). При этом, перемещаясь, ты не просто подходишь ближе к отдельным звукам песни, визуализированным перед тобой, слышишь их ярче, можешь делать громче или тише, продолжая слышать объемный звук в комнате вокруг тебя. Разработчики пошли дальше — избавились от джойстиков, в результате к звуку можно прикоснуться и влиять кончиками пальцев. Многие пользователи говорили о переживании синестезии в момент контакта: казалось, что от реакции света и музыки тело ударяло током. Иллюзия прикосновения и тактильной отдачи от музыки — пример того, как технологии дают сверхреальный уровень вовлечения в творческий мир артиста.

Том Йорк тоже известен своей любовью соединять музыку с цифровым миром и изобразительным искусством, вовлекать зрителей в поиск смежных смыслов. В 2014-м, через два года после выхода альбома Radiohead «The King Of Limbs», группа выпустила приложение PolyFauna по его мотивам. За техническую часть взялся продакшен Universal Everything. Вид со стороны: кружишь вокруг своей оси с телефоном руке, ходишь по квартире, исследуя треки, следишь за мерцающей красной точкой на экране и находишь пасхалки, рисуешь на экране — и рисунки превращаются в абстрактные создания. Цель проекта всё та же — глубже окунуть аудиторию в звук и дать чувственный опыт. Через полгода, под выход сольника Тома «Tomorrow’s Modern Boxes», приложение обновили свежими электронными звуками.

Отдельного внимания заслуживают диджитал-проекты, которые через музыку взялись выразить телесность.

В частности, интересный вопрос задают авторы The Music Selfie: «Как звучат черты твоего лица?» По словам разработчиков, музыкальные семплы действительно зависели от положения лицевых мышц, а выражение лица влияло на итоговый трек. Идея взяла приз на каннском фестивале креативности.

Другой более нишевый проект — Body of Songs, музыкальная интерпретация внутренних органов, кураторами и «донорами» которой стали Ghostpoet, Bat For Lashes, продюсеры Goldie, Дэйв Окуму и другие.

Наташа Кхан, Bat For Lashes: «Мы набросали начальные фрагменты, ориентируясь на схему поперечного сечения кожи: некоторые синты были волосками, волокнами, клетками, которые выкладывались как кирпичики, также мы использовали пульс как бит и электронные звуки для нервных окончаний. А ещё я задействовала свою кожу как перкуссию, усиленную по громкости так, чтобы вы её слышали».

Google особенно любит демонстрировать свои технические возможности в музыкальных коллабах. Хороший пример — проект 2016 года Through the Dark (Google Play Music, + RG/A Sydney). Реальная история музыканта, чей сын заболел лейкемией, рассказанная в атмосферном интерактивном видео в мобильном интерфейсе. Вращая телефон, перемещаешься из мира жизни в мир смерти, получаешь свои уникальные последовательности и свой уникальный опыт с клипом, переживаешь путь отца и сына в борьбе с болезнью.

Технически проект возможен благодаря акселерометру и гироскопу любого смартфона, WebGL рендерит 3D-иллюстрации по ходу просмотра, создавая бесшовный опыт. Здесь создатели сочно рассказывают о работе и технологических вызовах. Затея взяла массу наград, в том числе три золота на Каннских Львах в категории Digital Craft.

Другая примечательная коллаба Google — Dance Tonite с LCD Soundsystem, созданная под VR-систему HTC Vive. Игровая форма позволяет сгенерировать до 20 своих «двойников» — танцующих геометрических фигур. Потыкайте в телефоне, дождитесь финала и посмотрите, как люди пытались взаимодействовать с жёлтым шаром, которого вообще не существует в реальности.

Джеймс Мерфи, LCD Soundsystem

Ещё один интерактивный клип — «Stained Glass» группы Real Estate от голландского диджитал-продакшена MediaMonks. Видео обретает цвета постепенно, а определять их предстоит тебе. Это разукрашка в реальном времени, и каждый получает анимацию в своих, каких угодно странных цветах.

Наконец, мать высокотехнологичных музыкальных проектов — Бьорк. Пожалуй, самая инновационная артистка поколения. Ещё в далёком 2011-м она создала к альбому «Biophilia» свою цифровую вселенную — музыкальное приложение, исследующее микрокосмос внутри нас и макрокосмос вокруг. Каждое из созвездий на экране запускает интерактивную визуализацию отдельного трека.

Уже больше двадцати лет Бьорк создаёт атмосферные артовые коллаборации, в том числе с диджитал-художниками. Чего стоят работы с японцем Джесси Канда — к примеру, съёмка 12 камерами внутри метровой реплики рта артистки под песню «Mouth Mantra». VR-версия в 2015-м получила множество наград.

Или «Arisen My Senses» с продолжением жутковатых телесных манипуляций.

В прошлом году WeTranser снял зарисовку об их творческом союзе.

Ещё один партнёр Бьорк в диком крафте и технологичных экспериментах — Эндрю Томас Хуанг. В частности, вместе они сделали один из первых клипов на 360°, «Stonemilker».

В 2014 году упомянутые коллаборации вылились в выставку Björk Digital, которая гастролировала в Токио, Сиднее, Монреале, Рейкьявике, Лондоне, Лос-Анджелесе, Барселоне и представляла собой полуторачасовое погружение в восьмой альбом артистки «Vulnicura». Гости заходили группами по 25 человек и путешествовали по нереальным мирам — от первого трека «Black Lake» к «Stonemilker», «Quicksand», «Mouth Mantra», «Family» и, наконец, «Notget». Микс из панорамных съёмок, видео 360°, виртуальной реальности, 3D, обволакивающей звуковой системы позволял пережить яркий, футуристически театрализованный опыт и соединение с музыкой.

Осенью 2019-го эти работы стали основой особого переиздания «Vulnicura» — теперь это первый в истории музыкальный VR-альбом.

Кроме того, в 2019 году артистка нашла себе ещё одного союзника. Диджитал-художник и режиссёр Тобиас Греммлер воссоздал новую, удивительно гибкую цифровую сущность Бьорк в клипах «Tabula Rasa» и «Loss», а также помог поставить шоу «Cornucopia»: в музыкальный спектакль с выдуманными инструментами и объёмным звуком он добавил объём визуальный — работы художника проецировались не только на экран за спинами музыкантов, но и на многочисленные канаты, свисающие с потолка.

Бьорк в шоу «Cornucopia» на сцене арт-центра The Shed в Нью-Йорке

Бьорк: «Как человеческая раса мы развиваемся весьма быстро, и инструменты, которые мы используем, тоже быстро меняются. Но важно помнить, что инструменты не вкладывают душу в вещи. МЫ должны это делать».

Современные технологии, использованные правильно и со вкусом — идеальный компаньон для искусства. Они могут расширить границы переживания на эмоциональном и сенсорном уровнях. Каждый день появляются новые иммерсивные проекты в музыке, только успевай держать руку на пульсе.

Автор материала — Наталья Тачинская, арт-директор и креативный лид ISD Group, в частности креативный директор проекта «Голос воды», участница судейской коллегии премий Webby и FWA.

Её амбиция — создавать технологичные интерактивные проекты в том числе с украинскими музыкантами. Обращайтесь.

Про музичну фотографію і зйомки Ніка Кейва, My Bloody Valentine, Goldfrapp та інших — розмова з Джо Ділвортом